本月新书书单精选了近期出版的美术史中文新书，内容涉及中国书画、考古研究、建筑园林、西方艺术、当代艺术、美术评论、文化史等多个领域。从中国古代艺术到西方现代艺术，愿每位读者都能在这里与心仪的“佳作”相遇。
本书是著名美术史家巫鸿的全新力作，延续《中国绘画：远古至唐》的写作思路，吸纳考古美术的新近研究成果，聚焦五代至南宋时期各种类型的绘画作品及其媒材特征，关注多元背景下的绘画实践与跨地域交流，力图勾勒更加全面、立体的中国绘画发展脉络，多维度讲述中国绘画的新故事。
国音承祚——宋六陵考古成果展是宋六陵考古成果首次对外展出，是2022年度浙江省“宋韵文化传世工程”项目之一。本书为展览同名图录。本书通过对十年以来宋六陵考古成果的梳理与回顾，结合出土的官用瓷器、瓦作构件、石制遗存和对皇陵宫殿建筑、陵园结构、整体布局等方面的科学复原，让观众沿着时间的轴线，真实体验南宋皇家陵园庄严肃穆的恢宏气象，体会它蕴藏的山河一统的政治理想，切实理解南宋皇陵的政治、文化价值。
本书为中国国家地理·图书出品的传统丹青版《山海经》，90后央美青年艺术家任才峰历时十载，重绘150幅绢本设色神怪图，《山海经》研究学者刘宗迪教授作长篇导读并全本注译。此版本《山海经》绘画基于中国传统绘画技法创作，期望将中国传统文化中魔幻瑰丽的一面，通过艺术的方式呈现给大众。他同时将现代意识融入古典绘画，符合当下国潮的审美。同时，作为上古时期记录地理物产、宗教神话的大书，它的原始文本更不应被忽略。“怪物之书”只是《山海经》的一个面相，刘宗迪教授的注译则从博物学和民俗学的角度切入，展现《山海经》不为人知的另一面。本书装帧精美，图文并茂，可读性强，可作为大众读者首选的《山海经》入门读物。
敦煌，投射着一百多年来中华民族的荣辱沧桑。敦煌珍品的流散，是近代中国伤心历程的缩影，众多敦煌遗书和少许壁画雕塑，如今分藏于世界各地。当年，它们的流散过程充满了无知与欺骗，巧取与豪夺。而今天，各国收藏机构合作对其修复、出版与数字共享，各国学者悉心研究、相互交流，共同推动着对人类文明成果的保护和利用。“敦煌在中国，敦煌学在世界”因此形成。
作品回顾了一个多世纪以来敦煌文物流散的往事，以及学术文化界几代人呕心沥血追寻国宝、研究国宝，乃至通过不懈努力，让敦煌宝藏以出版形式魂归故土、重光于世的艰辛历程。在“历史”与“学术”两个题眼下，激荡着国人充沛的民族情感，同时也体现出敦煌学的国际性。本书的出版，必将丰富读者对敦煌的认知，并成为学界研究敦煌的重要参考。
梁思成先生是我国著名的建筑学家、建筑史学家、建筑教育学家，毕生致力于中国古建筑的研究和保护。他从20世纪30年代开始，对中国古建筑进行了长时间的、科学的调查，他和营造学社的同仁一起，在那个社会动荡、物质资料匮乏、交通极其不便的条件下，在不到十年的时间里，对全国近两百个县城的两千余个古建筑项目进行了考察和详细的测绘，为中国古建筑的研究积累了大量翔实的文字与图片资料，并撰写了详尽的科学研究报告。功莫大焉！
梁思成总结了中国古建筑的关键特征，指出古建筑的“文法”，提出了“结构技术 环境思想”的研究体系，这一开创性的工作，为中国建筑史研究提供了支撑，填补了中国古建筑研究的空白。梁思成的对中国建筑思想的探究，将中国建筑与中国传统文化之关联的思路打开，从中我们可以思考如何继承传统，如何在传统中生发创造的力量。
《中国建筑史》按时叙将中国古代建筑分为几个时期，分别介绍文献、梗概、实物、特征并分析，为一通史类著作。全文以文言写成，对呈现古建筑的精神和风貌而言，其语言和内容十分协调统一，且梁先生的文字晓畅明白，非常好读。
与图书市场上其他版本不同，此次三联书店重版《中国建筑史》（通校本），将原本的简体中文版本与梁思成先生的手稿以及1955年出版的油印本互相参校，修正错漏，核对文献，并精心筛选和制作近四百幅图片。
中国的园林艺术，是建筑、文学、书画、戏剧等艺术的综合体。无论是观赏园林，还是修建园林，只有了解园林艺术本身的丰富性，才能得其真趣，体会园林之妙。
园林大家陈从周一生著述甚丰，本书以“中国园林”为主题，撷取代表性篇目，跟随大师的诗意文字，探究中国园林到底美在何处。“说园”部分，概述中国古典园林艺术，从造园角度详谈园林的立意、构景、山水关系、树木栽植、建筑物营造等技法，及其背后深厚的中国文化传统，见解精辟、独到。“游园”部分，则从赏园、品园角度分篇讲解具有代表性的中国名园，如苏州拙政园、网师园、沧浪亭及北京颐和园等，深度解析各自风格、景观及造园历史。书中配有数十幅园林摄影图，图文映照，使读者身临其境般感受园林美景。
《碑帖鉴定概论》一书是上海图书馆研究馆员仲威先生根据三十多年碑帖鉴定实战的经验所得，做出的关于碑帖鉴定方法论的总结，亦是该领域内首部概论性、综合类的研究专著。此次推出“增订版”，作者基于十余年来在碑帖鉴定实践中的新创获，对全书进行了全面的增补与修订。此外，配以大量碑帖实物图版，高清全彩印制。
全书主要内容包括：第一章“碑帖鉴定总论”，第二章“碑帖拓本的形式与内容”，第三章“碑帖拓本的称谓”，第四章“碑帖鉴定的参照点”，前四章由浅入深、由表及里地介绍了碑帖鉴定的方法和步骤；第五章“碑帖作伪手段与防范策略”，详细揭露各类碑帖造假和作伪手段；第六章“碑帖名品的鉴定案例”，名碑依时代排列分为秦汉、魏晋、南北朝、隋代、唐代五篇，名帖则依类型分为丛帖与单贴，一一介绍各种碑帖的刻拓时代、原碑状态、版本流变、递藏情况、书法艺术、鉴定要点及掌故等；附录部分收录了碑帖拓片的国家鉴定标准、关于古今碑帖收藏风气变化的采访稿，以及本书配图说明等。
在中国所有河流中，黄河源远流长，其意义最为独特，中国古代有大量描写黄河的文献。20世纪以来，用黄河比拟、象征中国或中华民族的美术作品大量涌现，成为艺术领域一个颇为醒目的现象。本书选取20世纪以来不同时期与黄河有关的具有代表性的艺术作品，解构艺术家的创作历程，并从美术视觉角度，解读黄河及其蕴含的文化意义。
一座博物馆是怎样诞生的？本书以对谈形式，全景式呈现湘博近10年设计、建设过程。陈建明、矶崎新、胡倩、杨晓、黄建成等行业领军人物，从博物馆学、建筑设计、空间展陈设计等专业角度出发，讲述由一个概念到一座场馆的落成，如何做到从一粒沙开始，到建筑、园林、展陈,甚至文创都有着湘博的精神和烙印的一体化设计。本书通过剖析湘博设计建造过程，为专业人士提供生动样本与可操作方案；同时通过国际竞标、辛追夫人的安置、建筑师的奇特遭遇、T形帛画的展现、常设展的紧张筹备等一个个鲜活的故事，带领读者走到神秘有趣的湘博幕后。
本书由十四篇访谈组成，是“中国新媒体艺术教育20年”项目同名图书的第一卷，旨在对中国新媒体艺术教育近二十年的发展线索进行一次回顾性的记录与梳理；以艺术教育工作者个体为中心，注重个人艺术创作与学院教育、教学之间的关系；围绕学院新媒体艺术教育展开，包括学院内外的相关艺术教育实践；涉及实验艺术和跨媒体艺术两个主要二级学科，同时对相关学科概念进行辨析；以口述历史和田野调查的方法推进，以访谈录、纪录片和调研报告的形式呈现；强调独立的学术研究立场，试图为中国未来新媒体艺术教育提供一种参考。
这是一本关于美国现代艺术家乔治亚·欧姬芙的艺术理论画册。欧姬芙堪称美国现代艺术史上最著名的女艺术家，被称为“美国的毕加索”“美国现代艺术之母”。本书精选了320余幅艺术家的作品，从早期的炭笔画，到充满有机线条的水彩画，再到涵盖花卉画和新墨西哥州风景画的极简主义绘画，深度剖析了艺术家的创作历程，及其在艺术、哲学和文学等领域的灵感来源。本书从艺术创作到日常生活，走近欧姬芙将近70年的创作探索，让读者领悟这位具有前瞻性的艺术家的独立自由的创作特点和独树一帜的性格，是一本具有参考书般意义的欧姬芙艺术图册。
20世纪，艺术发生了根本性变革，其焦点包括从现代主义到后现代主义的转变，同时伴随着关于绘画在当代艺术中地位的激烈争论。苏珊娜·哈德孙通过本书为读者们提供了一份关于“当代艺术”的独特“调查报告”。书中每个章节都探讨了当代艺术的一个方面，从“挪用”到艺术家如何通过作品表达目的，再到“人体”参与艺术的方式等非绘画的艺术表达，再回到传统的绘画创作，最后讨论了当下热门的艺术作品。
作者梳理了来自世界各地的250多位杰出艺术家的240余幅作品，包括大卫·霍克尼、罗伯特·雷曼、劳拉·欧文斯、达明·赫斯特、村上隆、奈良美智、高野绫、岳敏君、张晓刚、卡拉·沃克和塞西莉·布朗等，他们的艺术思想和作品诠释了当代艺术的特色。对于艺术爱好者、学生、评论家和从业者来说，这是一本必不可少的艺术史读物。通过本书，读者可以清晰地了解当代艺术是如何形成、传播和承载意义的？它们又是如何被今天的艺术家重新构想和挑战的？
《西方艺术三万年》概述了西方艺术三万年的历史，描述了西方“古典艺术”“现代艺术”“当代艺术”的类型特征和发展进程，内容从原始洞窟壁画到数码时代的数字艺术，涉及绘画、雕塑、设计、建筑等多个艺术门类。与市面上的其他艺术史类书籍相比，本书最大的特点是将艺术“还原”到人本身，将艺术作品放回历史语境，从人心观念的角度理解艺术风格的成因与演变，因为“艺术不是由人的能力决定的，而是由人心观念支配的”。
本书文字通俗生动，叙述深入浅出，角度独特深刻，能帮助读者更轻松地进入艺术的世界，更深入地理解西方艺术。
《虢国夫人游春图》是传为唐代画家张萱所作的一幅仕女卷轴画，卷首有瘦金书“天水摹张萱虢国夫人游春图”题名。虢国夫人是谁？画中哪位是虢国夫人？画作名为游春却为何没有春日的景象？……画作裹挟着层层迷雾，留给后世诸多谜团。本书以辽宁省博物馆藏《虢国夫人游春图》为研究对象，重返艺术创作的现场，回归历史发生的语境，从艺术与历史双重视角，为读者抽丝剥茧，深入解读这件超越时代的国宝名画。
该书是一部具有学术普及意义的通俗艺术史读物。全书分为十个章节，共四万余字，图文紧密结合，趣味盎然、洞察幽微，深入探讨多个与《虢国夫人游春图》相关的主题，不放过画面每一处细节，生动还原了大唐丽人的游春瞬间。作者语言平实，逻辑清晰，真正实现了深入浅出讲述传世名画，是学习与研究这幅图像，进而了解我国唐宋时代中国画艺术的必备读物。
黄小峰教授潜心十年，对《虢国夫人游春图》的研究持续深入。本书吸纳其最新学术成果，秉承其一贯的“超细读”式观画法，对画作进行细致缜密的图像分析。如：画中九人的群组关系？画家的构图方式是否能帮助我们确定中心人物？盛装仕女的装束、妆容透露了哪些信息？八匹马的步伐有何异同？……本书就上述问题匹配了大量细节插图，帮助读者读懂图像、理解画家的真实用意。同时，本书兼具严谨的艺术社会史研究，结合文献史料，多学科交错，条分缕析地拆解图像，解读这幅画留下的纷杂谜团。大到历史文献对虢国夫人的记载、诗歌文学对虢国夫人的演绎，小到人物的衣冠服饰、马匹的品种与马具……为我们勾勒出一幅清晰的历史画卷。
本书是在中国美术史学家高居翰1989年加州伯克利大学的研究生专题研讨班和1991年哥伦比亚大学班普顿 (Bampton) 讲座的演讲稿件基础上扩充而成，后整理成书。没有了讲演形式的时间限制，本书文字部分已经大大地扩展。讨论中国古代画家，尤其是宋末以来画家的日常生活和工作，从社会经济角度观察中国绘画从早期到晚期的重要转折。本书作者潜心研究中国艺术几十年之久，出版了许多关涉中国古代艺术的重要著作。
本书从一个全新的视角，对中国古代的画家及其作 品作了审视。作者从大量历史文献中汇集丰富的资料，向读者介绍了中国古代画家的创作实践，包括他们创作作品的环境及环境背后的诸多因素，从画家的生计、创作动机、图画的用途、获取画作的途径、买画付款的方式以及不同类型的画家及其风格等方面，对中国一些著名画家的日常实践进行介绍，从而让读者对他们及其画作有了较为真实、全面的认识。
本书以故宫博物院藏清朝皇帝大婚主题文物为研究重点，结合历史档案、舆图等第一手信息，将清朝皇帝大婚的制度、特点、文化内涵等内容进行全面研究梳理。为读者全景再现清朝皇家婚俗。尤其将光绪《大婚图》册进行重点研究介绍，第一次全面公开该图册的内容，并且配合分景图的研究说明文字。本书兼顾学术的严谨性与内容的普及性，是一本立体反映宫廷婚俗的研究型读本。《清朝皇帝大婚礼仪述论》作为本书开篇，以期给读者宏观性地呈现皇帝大婚的本质、程序，这里不止于对婚礼的“六礼”——婚前礼的讨论，而是对婚前礼、成婚礼、婚后礼全流程的梳理；对清代皇帝大婚礼仪的形象化理解，可资清代画家所绘光绪《大婚图》册，但其如何绘制，存世情况如何，亦为我们关心，《以史解画，以图证史》一文进行了条分缕析，成为本书的第二部分；第三部分是对光绪《大婚图》册进行全面展示。
从城市语境、艺术承载、建筑设计和建筑技术四个层面，本书详尽讨论了当代美术馆设计相关的方方面面，以期将“世界的”和“中国的”美术馆建设实践紧密结合起来。前有中国美术馆原馆长范迪安、原副馆长谢小凡作序，后有附录和索引。
2011年中国美术馆原馆长范迪安主持筹建新馆，新馆国际竞赛的招标文件——中国美术馆新馆设计任务书，广泛征求了世界著名建筑师的意见并屡获好评。本书是在此基础上重新思考的结果。全书结构清晰，条目详实，中英对照，图文并茂，设计考究，制作精良。为更好地体现视觉效果，本书采用5色印刷。对于那些想要在中国策划、建造和运营使用美术馆的人来说，本书是一本不可多得的基础读物，也可称得上是一本的参考书。
兼具思想性、资料性和工具性，本书要言不烦，独创了一种针对“文化建筑”设计的简明指南体例。在背景部分，中国城市的现代化为美术馆设计提供了基本的语境，中国展览空间与世界美术馆的扼要对比，构成了一部美术馆小史，涵盖从朴茂的古典展示空间到现当代艺术催生的创新型美术馆等诸多案例。从“什么是美术馆”的大问题，本书逐渐过渡到美术馆与城市之间的关系，展开对美术馆建筑形象的具体讨论，其中既有“看”的议题，又兼顾到如何“行动”，并涉及美术馆诸如使用和管理等实际问题。
从理论到实践，本书的后半部分以美术馆建设为主题，试图提供如何从无到有地创生出一座美术馆的行动指南，并在一般性规则的基础上深入讨论了在中国营造美术馆的特别之处，即事关当代中国“此时、此地”的话题，涵盖了传统与当代、本土化与他者参照等问题，这是西方艺术理论和通用设计模板所无法概括的。
国内外著名建筑师、文化学者和美术馆人，为本书所持的观点做了生动的阐释和有益的补充。
图像无处不在。然而，为何有些图片能得到成千上万个赞，甚至成为视觉文化的标志，有些则不会？图像是如何俘获、惊艳、催眠我们的？
里卡尔多·法尔奇内利采用了完全不同于以往艺术书籍的范式，将文艺复兴的绘画与库布里克的电影放在一起，将抽象艺术与当代广告对比，解释了图像是如何被设计、创造的。阅读这本书，仿佛进入了一流画家、导演、摄影师的工作室，深刻了解图像创作背后的秘密。
约1400—1520年在传统上被称为文艺复兴早期和盛期，而佛罗伦萨作为文艺复兴的摇篮，在这一时期的文化、艺术和知识层面都有着杰出的贡献。本书以新颖的视角，在更广泛的文化背景下探讨了这座城市本身以及它的艺术，其中内容不仅包括符号、题材、艺术家组织和赞助人系统，也包含这一时期的艺术著作、绘画理念、观念表达以及不同媒介与材料的效果，还专门用一章讨论了文艺复兴时期佛罗伦萨的女性赞助人。书中收录了米开朗基罗、多纳泰罗、波提切利等著名大师的绘画及雕塑作品，还有大量建筑、手抄本、雕版画，多角度呈现文艺复兴时期佛罗伦萨的繁荣盛况。
阿尔布雷希特·丢勒 (1471—1528年) 是北方文艺复兴时期的艺术巨匠，他精湛的木刻版画和雕版画确保了他在世时名满欧洲。他在油画、水彩画和素描领域也成就非凡，创作了具有革新意义的肖像画、自画像与大型祭坛画。此外，他对动物和自然的细致研究以及在艺术理论方面的创见，为后世研究者留下了宝贵的遗产。
杰弗里·奇普斯·史密斯在这本重要的新著中，对丢勒的生活和作品进行了全面的介绍和深刻的重新评价。作者将丢勒的职业生涯放在欧洲历史上一个动荡时代 (宗教改革前后的历史文化语境) 的框架内探究，追溯了丢勒在帝国自由城市纽伦堡的成长经历，详细介绍了丢勒在德国、意大利和尼德兰的游历与创作，为读者展现了这位多产、复杂、充满好奇心与创造力的艺术家的职业活动。尽管关于丢勒的研究资料相当丰富，作者仍对丢勒的许多名作提出了新的见解，揭示了这些作品背后丰富的意义和思想价值。
难以逾越的插画大师·经典名著的不二绝配，400余幅精美插图，值得珍藏的多雷超全作品集！
分别来自卢浮宫和法国国家图书馆的两位法国资深编辑从多雷的上万幅插图作品中精选出那些最重要、视觉效果最强烈、最能代表他艺术风格的作品，两人分工合作，前者带读者徜徉在多雷艺术作品背后的文学幻想和文艺圈八卦里，后者娓娓道来多雷在版画制作上不断飞升的高超技法。读者会感觉自己站在连接古典和前卫的桥梁之上，一起沉浸在多雷的永恒魅力中吧！
赖特是世界公认的现代建筑、设计大师，他对镶嵌玻璃艺术的创新与其经典的建筑设计作品水乳交融，完美诠释了赖特对建筑环境和装饰的追求。《光屏》图文并茂，有藏品原件，有建筑照片，还有手绘图纸，是关于建筑艺术的精美之作。
《艺术：让人成为人》为一部人文学通识的百科全书。内容涉及人文学的方方面面。涵盖的人文学学科有：文学、艺术、音乐、戏剧、舞蹈、电影等；深入讨论的人文学主题有：信仰、幸福、死亡、道德、自然、自由和爱等。
文字晓畅明了，配图丰富生动，观点新颖，视角多元，范例充足，分析 到，整体内容深入浅出，引人入胜，可读性极强。
作者理查德·加纳罗和特尔玛·阿特休勒深信：“人文学表达着我们在灵光乍现时的创造力和智慧，也许是在一次淋浴、也许是在风和日丽的某天的一次街头散步时，你的灵魂因为体验到生命的纯粹喜悦而得到升华……本书的主要任务是为大家呈现一个无比精彩和奇妙的世界，这个世界由人所构造，它的存在和人类的存在一样久远，而且每天都在等待着我们去重新发掘。”
一、通过创造。《艺术：让人成为人》中有六章全面详尽地探讨了人文学在全球不同文化中的历史和作用，分析了主要的代表作，而且尤为重要的是，提出了观看、阅读和聆听的评价标准。
二、通过质疑。书中另有七章深入独到地探讨了历史上引人深思的各个哲学主题，包括信仰、幸福、自然、死亡、道德、自由和爱。
这本结构独特的人文学研究导论，不仅揭示了一个充满创造力和智慧的世界，还提供了一个条分缕析地回应这个世界的框架，同时也探讨了批判性思考者借以评价并反思其所读、所见及所闻的各种策略。
这是一本艺术科普通俗读物，是写给大众读者的入门级艺术鉴赏指南，饱含一位艺术家对艺术鉴赏的见解。本书由一位在职艺术家撰写，对视觉艺术的基本元素进行了解码和描绘，引导读者加深理解和欣赏能力。
这本图文并茂的指南本身并不是一门艺术史课，而是一个“工具包”，能够为读者的艺术研究和博物馆之行提供指导，使其真正有所收获。《艺术的乐趣》包含约150幅艺术作品的彩色高清大图和许多独到的见解。此外，作者还将读者带到幕后，进入艺术工作室，揭开制作艺术作品的实际过程。
如果你热爱艺术，这本书将把你的欣赏能力提高到一个新的水平。不仅你对艺术的喜爱会增加，你还能将你的理解清楚地传达给别人。
古埃及文明是地球上古老的文明之一，它神秘而浩瀚，伟大却又多元。它起源于尼罗河畔，却又将尼罗河驯顺，掌握于自己手中；它崇敬神明，却将神明与尘世联系起来，使人神共存同一片大陆之上；它重视死亡，但高耸入云的金字塔和千年不腐的木乃伊，都显示着对再生与永恒的渴望。
本书遴选波士顿美术博物馆、大英博物馆、法国国家博物馆联合会提供的珍贵图片，从法老的宫殿到众神的庙宇，再到亡者的金字塔，展现了古埃及这一充满了非凡色彩的之地。本书作者，埃及知名考古学家、埃及学家，埃及文物委员会秘书长扎西·哈瓦斯 (Zahi Hawass) 与读者分享了他辉煌事业中的种种精彩体验：古埃及的神话体系、法老与王后令人惊叹的奢侈生活、托勒密王朝的发展进程、金字塔的建造方法与意义……这些历史与人物跃然纸上，呈现出丰富而鲜活的面貌。
尽管古埃及帝国已经历辉煌而衰亡，但古埃及文明所遗留的智慧却依旧闪闪发光，它跨越千年，为古今文明搭建起一座永不阻断的桥梁。
照片的意义从何而来？是什么塑造了我们对照片的反应？摄影师的创作意图对我们理解照片有多重要？作者大卫·坎帕尼通过对120幅经典照片进行精辟阐释，给出了他对这些问题的答案。
书中精选的照片或为大众熟知，或陌生却耐人寻味，让人爱不释手。作者不是按照年代、体裁或摄影师的分类讲述，而是按照自己的逻辑展开。我们可以观赏到亨利·卡蒂埃-布列松、沃克·埃文斯、罗伯特·弗兰克、威廉·埃格尔斯顿、斯蒂芬·肖尔和薇薇安·迈尔等名家作品，也能品味当代摄影领军人物杰夫·沃尔、安德烈斯·古斯基、路易丝·劳勒和卢卡斯·布拉洛克等120位世界著名摄影家和无名氏的杰出摄影作品。每张照片都附有坎帕尼清晰且深刻的摄影评论，他结合照片的创作历史，向读者解释其内容和意义。他不但将照片与视觉文化联系起来进行论述，而且强调了观者对照片的思考也具有重要价值。这些照片及其引人入胜的文字可以帮助读者了解照片背后的创作意图，以更好地“读懂”摄影作品。坎帕尼对摄影及其历史和发展的独到且有趣的看法，也能帮助读者进一步理解摄影创作，从中获得启发和灵感。
本论文集集结了“书籍之为艺术——中国古代书籍中的艺术元素学术研讨会会议”的发言稿三十多篇，不同领域的专家向读者展示了书籍与绘画的的联系，呈现了书即可以是读物，也可以是我们后来称作的艺术，画同样既可以看，也可以当书来读的阅读思想。
情以物兴，物以情观，在书籍的世界里窥见美的精神，领略书是灵魂的欢悦，这即是作者的体验，也是对读者的一份期待。论文集为书籍装帧的历史研究提供了一个总的框架结构，为书籍装帧史的研究提供了很好的参考。
《入山与出塞》收录李零考古艺术史论文二十九篇，分为“写在前面的话”“翁仲研究”“有翼神兽研究”“早期艺术中的宇宙模式”“早期艺术中的神物图像”“淅川楚墓研究”“楚国铜器研究”与“读书偶记”八部分，探讨课题牵涉广泛、丰富多元。文章内容多由考古遗物遗迹入手，结合历史学、艺术史与古文献学等研究，以小见大，探究表象之下的渊源流变。
作者欲从“入山”与“出塞”两个角度出发，解释中国上古文明演变的特色。在全书首篇《入山与出塞》一文中，作者大略叙述他近来关注的两个研究课题：中国古代的祭祀遗址，以及考古发现的外来影响。前者 (入山) 强调中国在上古时代，早已发展出自身独树一格的文明特色；后者 (出塞) 则论述远古时期中外 (华夏与蛮夷，中原与境外，东方与西方) 交通与相互影响的关系。研究方式则是考察出土文物的型制与艺术表现的手法，从中寻绎外来文化对“古代中国”文化的影响。
《常书鸿全集》是“敦煌守护神”常书鸿先生毕生研究成果、译作及画作的首次系统结集，是当代中国乃至世界敦煌学的集大成。全书共10卷，其中文集8卷，画集2卷，清晰再现了常先生发现敦煌、保护敦煌、研究敦煌、推广敦煌的人生与艺术经历。
从公元5世纪北朝早期写本《妙法莲华经》，到国家珍贵古籍晚唐五代刻本《妙法莲华经》；从曾经跻身日本重要美术品之列的敦煌初唐写本《维摩诘所说经》，到鼎鼎大名的五代后晋曹元忠刻《大慈大悲救苦观世音像》……众多珍稀敦煌写经、早期刻经第一次完整高清披露！一册在手，如同打开真实的高古顶级艺术世界，如入晋唐法书门径，如沐敦煌千年春风。
此次刊布的29件摄人心魄的晋唐写、刻经精品，时间涵盖魏晋南北朝、隋唐、五代、吐蕃统治河西时期、归义军时期，均是目前中国艺术品市场上流通的高古写、刻经铭心之作，从文物、文献、学术、艺术价值上堪补国内外馆藏敦煌写经、早期刻经之遗。
《伍伦经眼古经图录》所收内容全部采用高清数位图片，每件作品都做全卷的完整展示，超清原大原色彩印，纤毫毕现，完整且客观地反映了这些传世绝品的真实状态，便于相关领域的研究者和书法爱好者各取所需。“条记目录”部分以敦煌写经的标准著录方式，记录每件作品的名称、卷次、尺寸、外观基本特征、抄写年代、重要题记、出版著录、收藏题跋等内容，为古写、刻经的研究与鉴定提供便利。
古人究竟使用何种木材建房？这个看似简单的问题，长期以来却只有模糊的答案。借助古建筑修缮机会，结合树种显微检测，本书对山西南部地区唐宋金元木构建筑进行了较为全面的材料分析，发现伴随着松木的大量使用，这一地区森林资源逐渐消失，在金元时期，时人逐渐采用乡间常见的杨、榆、槐等树种建房。在人们印象中不堪大用的杨木，却广泛应用于金元时期的木构建筑中，并充用主体结构材料。
这些建筑一直保存至今，经受住了历史的考验。为适应杨木等乡土杂材，古人也发展出了特定的加工方式，尽量使用原木制作大额、大梁、大柱，随形就势，适度增加、简化或变更节点构件，形成了金元时期独具特色的“大额建筑”，并深刻影响到了明清建筑体系。
由材料视角，可见建筑营造活动与自然环境的相互影响，也能管窥建筑发展的内外动力。良材难觅，杂材也能充用栋梁，但对良匠的拣选与加工提出了更高要求。本书具有方法论的意义。
本书精选西方艺术人类学经典论文11篇，作者集一时之盛，如罗伯特·莱顿、霍华德·墨菲、纳尔逊·格雷本、弗雷德·迈尔斯、阿纳德·施耐德等人，皆为西方艺术人类学界的重量级学者。
选文有两个特点：一是集中于艺术人类学的基础理论，如艺术人类学的研究方法、学术史、艺术的定义、艺术的结构与能动性等，如哈塞尔伯格的《民族学艺术的研究方法》，全文8万余字，对于艺术人类学研究具有颇好的指导意义；二是展现艺术人类学的前沿研究，如艺术的涵化、挪用、旅游艺术以及当代西方艺术人类学的最新研究范式等。
13—14世纪欧洲艺术中出现了一个鲜为人关注的现象，在意大利绘画中出现了一些东方面孔。在中世纪人眼中，东方人形象复杂而多义，其塑造植根于同时期社会政治、宗教和文化传统之中，并随着教廷与东方的交往关系发生变化。
本书第一章梳理19 世纪末至今学界对意大利文艺复兴艺术与“东方”之关系的思考与研究，作者所聚焦的“东方人形象”问题如同一股暗流，始终涌动在这片历史汪洋之中。第二章将首先讨论东方人图像的传播与接受。一方面，西欧画师可能从东方游记、编年史纪录、中亚抄本图像等多种渠道获得有关于东方人的相貌与装束的知识。
而另一方面，东方人形象上呈现出的多样变化，也透露出人们的记忆与情感。第三章至第七章是本书的核心，主要关注东方人图像本身的叙事语言与功能，以及它们如何接纳与融合新的形象。
集中探索这类异族图像进入西欧社会后，在一些传统主题中扮演的不同角色。其中包括5个独立又彼此联系的个案研究，主要围绕两幅编年史插图、两组议会厅壁画、两个绘画主题，它们基本涵盖了13—14世纪欧洲绘画中东方人形象的几个基本类型，呈现出五幅不同的“肖像”。
本书是神话学史上剑桥学派的代表人物简·艾伦·哈里森阐述“神话—仪式”学说的经典之作，以深入浅出的方式对古代希腊的宗教、仪式、庆典以及由此衍生的悲剧、雕塑等艺术进行了全面系统的介绍，进一步厘清了古代艺术与原始仪式之间的逻辑关系。
哈里森指出，与其说艺术模仿了现实，毋宁说艺术和仪式一样，都是对人类情感、欲望和激情的具象化表达与呈现。这一见解不仅为文学理论中的“表现说”及其在20世纪的发展提供了观点上的支持，也为进一步回答“艺术的功能是什么？人类社会为什么需要艺术？艺术与宗教、道德和科学有着怎样的关系？”等一系列问题提供了崭新的思路。
这些受访者大多都是继格林伯格之后，美国最重要的当代艺术评论家和当代艺术史学者。其著述和观点的影响力不仅限于美国本土，也早已辐射至欧洲、乃至全世界。
然而，时至今日，我们对于其理论背后的故事特别是批评发生和理论实践的动因依然缺少了解，这一系列访谈则恰好弥补了这一缺憾，它不仅立体地呈现了“《十月》学派”的前世今生，也从一个侧面反映了上世纪60年代以来美国艺术批评与理论的历史概貌。
美国FSA (农业安全局) 纪实摄影是美国摄影史，乃至世界摄影史上规模最大的摄影项目，也是在大萧条背景下因其政府主导组织性质而充满复杂语义性的一场摄影实践。
《大萧条的面孔：美国FSA纪实摄影研究》试图在全面阐述FSA纪实摄影运动创立缘起、组织架构、拍摄宗旨和摄影主题的基础上，旨在从FSA纪实摄影所处的大萧条时期与罗斯福新政的外部生产环境切入，一方面以边缘群体、种族主义和女性主义为主要维度充分揭示FSA纪实摄影内部存在的部分“现实伪化”，另一方面以FSA纪实摄影的视觉生产和图像传播，力求挖掘FSA纪实摄影建构其宣传意图的路径和程序，进而钩索图像背后深层的政治意涵。
这是对于惯常被给予正面评价的FSA纪实摄影实践予以祛魅的一次研究挑战，也是重识FSA纪实摄影的一场学术尝试。
800幅精美图片，600个内容标题，轻松厘清30000年西方艺术脉络；由视觉到观念，全面理解人类文明进程。
本书按照时间线索和文化脉络，记录和阐释从史前到当代西方历史上具有纪念碑意义的艺术作品，包括绘画 、雕塑和建筑，以及现当代的新媒体和观念艺术等。
作者注重图像分析、历史语境和当代视角的结合，内容深入浅出，帮助读者理解艺术，解答 “什么是伟大的艺术？” “如何理解这种艺术风格？”“这还算是艺术吗？” 等诸多问题。
《西方艺术史观念：再现与艺术史转向 (第2版) 》在第1版的基础上修订，凝结了作者二十余年潜心教学和研究的成果，补充了新近的艺术发展趋势和理论探讨。
西方现代艺术史及艺术批评理论的哲学基础是启蒙时代所奠定的再现理论，正是对这一启蒙运动以来主客观二元论的继承和质询，构成了西方艺术及其理论的历史，然而西方艺术史理论始终未能超越二元对立的思维范式。有鉴于此，作者从非西方视角系统梳理、反思和批判西方艺术史理论，开创性地用“匣子“”格子“”框子“这三个形象性概念去概括西方艺术史叙事的演变，解读了不同理论流派之间的内在关系，对再现理论在西方的发展进行了梳理和重构，并探讨了艺术史理论发展的新方向及其可能性。借此，读者可以全面把握西方艺术理论的核心理念及其发展流变。
这是首部从历史和批评的角度探讨中世纪边缘艺术的专著。对中世纪的人们而言，边缘是双关、倒错和转化之地，是社会对立和心理冲突上演的场所。无论是常常出现在祈祷书页边的放肆无礼的丑角，还是教堂外墙上颇具嘲弄意味的滴水兽，都不在约定俗成的中心之内，而是身居边缘地带，孕育着反抗中世纪社会束缚的力量。
迈克尔·卡米尔在分析了宗教主题和世俗抄本页面边缘的图像如何掩盖、模仿或以其他方式质疑文本的权威性之后，深入探讨了修道院、大教堂、宫廷和城市等数种主要的社会空间的边缘地带。通过关注“边缘性”在中世纪文化中的作用方式，卡米尔向我们展示了中世纪边缘艺术中创新的真正来源，揭示了充满颠覆意味的这一艺术形式是如何维系霸权体系的。
本书既是了解15世纪意大利绘画的手册，同时也是从图像风格中解读社会历史的样本。
书中将意大利绘画纳入15世纪意大利的经济和商业体系中，通过梳理合同、书信、账目材料，考证了文艺复兴早期的绘画贸易，解释了当时的各种日常活动和生活习惯，例如祷告、舞蹈、测量、战争等对绘画风格的塑造。从社会史的角度叙说一幅伟大的作品是如何诞生的。从构图、设色、线绘等方面解说画家是如何作画的，提供了评价和鉴赏画作的专业话语体系，并且列举了诸多名家作品告诉读者如何解读文艺复兴时期的绘画。
该书显示出了艺术史对社会史所具有的重要洞察，是本世纪西方艺术史的重要著作。作者巴克森德尔是英国文化史家、艺术史家、艺术批评家，英国伦敦大学瓦尔堡研究院古典传统史教授，被誉为20世纪最伟大的艺术史家之一，《15世纪意大利的绘画与经验》是他的代表作。
《印象派：反思与感知》是艺术史家夏皮罗终生思考印象派的杰作。在对印象派艺术长达70年的反思和感知中，夏皮罗为世人提供了一份印象派艺术的理念、主题、技术和美学的近乎完美的终极成果。
作者将印象派绘画的诞生追溯到19世纪欧洲的社会史、思想史和哲学史根源中；对印象派绘画的美学和方法做出了迄今为止最为深刻的思考和阐述；于印象派艺术主题的阐发匠心独运，穷幽极微；在“印象派与科学”“历史上的印象派风格”“印象派与文学”等议题上开后世研究之先河。
两宋时期，社会进步超乎想象，诸如民生与工艺、艺术与哲学、技术与商业无不粲然，域外史家谓之“近世”，或称“新社会”，在唐、五代的基础上，宋以文艺复兴，形成新的人文天际线。
文艺复兴带来的审美自由，适合艺术蓬勃地生长，从五代、两宋开始，中国绘画才真正迈进独立的艺术门槛。中国山水画的兴起，尤其水墨山水的兴起，成为 10 世纪至 13 世纪中国文艺复兴的标志。
本书按照历史顺序，分为五代、北宋和南宋三个时期，解读了近 30 位名家、近 100 幅传世经典画作，探究了山水、花鸟、人物三大绘画类别由技入艺以至于境的发展过程；讲述个体与王朝相互勾连，命运与天才相激共振的历史事件。创作体例上，赏析与评传结合；方法上，审美与思辨兼济。作者试图以此建构新的中国艺术史，这是一部思想、艺术、文化、美学、文学交织的更大的人文作品。
读过本书，或许你还会发现，去艺术中开拓文化的江山，是一个好去处。追求自由，构建独立人格，安顿自己，这是对中国文化和自我的一次美的救赎。
当代艺术的材料、形式日趋多样化，这为艺术作品呈现和表达意义提供了多元的途径和更为广阔的空间。当代艺术家的创作尝试蕴含着深刻的反思，他们的作品不再聚焦于对个人娴熟技法的炫耀，而是更加关注时间、空间、人和物，更加关注它们之间的多重关系，更加关注艺术家自身的感觉的逻辑。本书以尚扬、陈丹青、刘小东、丁乙等当代著名艺术家为研究对象，对他们的作品进行鉴赏与思考，深刻揭示当代艺术内部的逻辑和张力。
艺术是对现实的超越，还是对现实的逃避？艺术是对自我的呈现，还是对自我的救赎？面对当下人的迷惘，当代艺术家用作品呈现自己眼中的世界；面对当代艺术家的创作，学者汪民安展开了自己的思考。他用絮语式的诉说与当代艺术进行对话， 这也是他与自己的对话：“我愿意面对一幅画，也发明这幅画，在发明这幅画的同时，也发明自己，发明自己随心所欲的随笔。”
“总之，没有什么事情令人刻骨铭心。一些微末的愿望，小小的满足，对琐事的关注，力比多对日常事物的投入，对瞬间状态的全神贯注——所有这些，都在咀嚼，甚至是在品尝着，生活的庸碌。”
本书是关于荷兰画家伦勃朗的艺术史读物。作为文艺复兴后期最卓越的代表人物，伦勃朗(Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606—1669年) 不仅吸引了同时代的艺术家，也激发了他们的创作灵感。
本书对伦勃朗的作品和艺术道路进行了解剖麻雀式的解读，呈现了伦勃朗“明暗法”之下更丰富的情绪。
通过分析伦勃朗最著名的绘画和版画作品，克拉克展示了一个伟大的画家是如何通过回忆和联想来丰富自己的想象力的，也解释了伦勃朗如何通过对意大利文艺复兴艺术的研究而改变自身绘画风格。
同时，克拉克也将带领读者以富有想象力的眼光看待艺术品，并在一定程度上分享艺术家的经验。
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