从 15 世纪到 17 世纪，欧洲出现了新形式的艺术、文学、音乐和建筑。
文艺复兴时期的杰作、多纳太罗的《大卫》、阿尔布雷希特-杜勒的《自画像》、达-芬奇的《蒙娜丽莎》
文艺复兴见证了古典思想的重生，以及人们对宗教崇拜以外的艺术的重新兴趣，尽管基督教仍然是大多数最伟大作品的基石。
以下十幅杰作是文艺复兴艺术的缩影，代表了欧洲历史上这一时期的艺术技巧、创造力和创新精神。
《大使》中隐藏着许多符号，但其中最引人注目的，无疑是横跨前景下方的放大头骨。
面对这幅画，人们可以大致辨认出轮廓，但直到观众向左移动，完整的形态才会显现出来。
霍尔拜因以这种方式捕捉到了死亡的本质，死亡是人类生活中永远存在但又不可预测的特征。
金匠本维努托-切利尼，在佛罗伦萨最有权势的人和重要银行家族的首领，科西莫-美第奇的赞助下工作。
他制作的珀尔修斯雕像，被竖立在佛罗伦萨最中心的广场上，雕像中的珀尔修斯手持被斩首的美杜莎怪兽的头颅。
首先，雕像是由一块青铜铸成的，而不是像当时大多数青铜雕塑那样由多块青铜铸成。
其次，雕像的底座本身就是整体设计的一部分，因为英雄的形象就站在美杜莎被杀死的尸体上。
布鲁内莱斯基建造大教堂后不久，他的朋友多纳太罗，创作了自古典时期著名的大理石雕像以来，第一座独立的裸体男性雕塑。
多纳太罗最初用大理石制作了另一个穿着衣服的 大卫，但他的青铜版本更为著名。
半裸的大卫站在那里，脆弱却又胜利，既捕捉到了《圣经》故事的精神，又暗示了经过几个世纪严格审查的宗教艺术逐渐重新引入的性感。
贝尔尼尼的《阿波罗与达芙妮》是用一整块大理石凿成的，它捕捉到了原始神话中所有的动感和魔力。
罗马天神阿波罗欲火焚身，企图夺取仙女达芙妮，但在最后一刻，她奇迹般地变成了一棵月桂树。
他的手在她腰上留下的印记、她的手指变成树叶的分枝，以及几乎遮不住人物的风中长袍，都表现出动感和柔美。
尽管文艺复兴最常与意大利联系在一起，但我们也必须注意到，低地国家艺术风格的扩展。
在这幅画中，华丽的吊灯、宽大的床，甚至那只小巧的狗，都在宣示着主人公的财富。
更有趣的是，如果仔细观察挂在后墙上的镜子，可以看到一个男人进入房间的微小倒影。
这一细节引发了人们对这位访客身份的疑问，也暗示了艺术家和观众作为场景参与者的新角色。
梵蒂冈的墙壁上挂满了文艺复兴时期最著名、最重要的艺术品，尤其是西斯廷教堂的天花板。
拉斐尔创作的《雅典学派》展现了古代世界的伟大思想家，从地理学家到数学家，从哲学家到统治者。
在阿尔布雷希特-丢勒将自己塑造成基督形象的同时，莱昂纳多-达-芬奇也在努力描绘救世主本人。
在他的《救世主》中，耶稣身着文艺复兴时期肖像画中，典型的华丽长袍，做着十字架的手势，举起一个被认为代表天堂的水晶球。
他还用一种莫名的表情凝视着我们，这种表情既传达了权威性，又让人感同身受。
这幅杰作最为人熟知的可能是 2017 年以 4.503 亿美元的价格，打破了公开拍卖最昂贵画作的世界纪录。
它的价值在很大程度上源于，其创作者对文艺复兴时期艺术、工程、科学和建筑的重要性。
佛罗伦萨大教堂象征着文艺复兴建筑的诞生。1436 年，菲利波-布鲁内莱斯基，成功地建造了千年来第一个如此规模的圆顶建筑。
布鲁内莱斯基不仅建造了宏伟的圆顶建筑，他的成就还为文艺复兴时期的其他建筑师建造欧洲最迷人的纪念碑、宫殿和教堂铺平了道路。
阿尔布雷希特-丢勒从很小的时候起，就展现出了他的艺术敏锐度，年仅八岁就完成了他的第一批草图和版画。
作品中强烈的情感、逼真的细节和阴郁的色彩吸引了观众，丢勒用不畏艰难的眼神注视着我们。
在这幅画中，我们不可能不注意到他与基督的相似之处，这再次暗示了宗教与艺术之间关系的转变。
因此，丢勒的肖像画可以说是人文主义的代表，这场运动在文艺复兴时期欧洲的风云变幻中发挥了关键作用。
达芬奇的 蒙娜丽莎 以其难以捉摸的微笑，每年吸引着 1 000 多万游客。
艺术家利用最近在透视和比例理解方面的突破，塑造了他的主题人物的脸部，使她的眼睛立即抓住了观众的注意力。
1962 年，达芬奇这幅杰作的保险估价，达到破纪录的 1 亿美元，显示出它近乎无价的价值。
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