Sean Scully，1945年出生于都柏林，在伦敦南部长大。Scully从小便有成为艺术家的理想，他于1962年至1965年在伦敦中央艺术学院的夜校学习，并于1965年至1968年在伦敦克罗伊登艺术学院进行全日制学习。1972年，他获得纽卡斯尔大学的学士学位。同年，他获得哈佛大学弗兰克·诺克斯奖学金，并首次造访美国，后于1975年移居纽约。目前他在纽约和伦敦生活和工作。
作为这个时代最重要的画家之一，其作品被世界各地重要的博物馆收藏。Scully主要以大型抽象绘画闻名，画面由垂直或水平的色带、嵌合的色块及渐变色彩组合而成的几何形状构成，同时也使用版画、雕塑、水彩和颜料等其他媒介创作。在过去五十年的实践中，Scully发展出专属的独特风格，巩固了他在绘画历史上的地位。他的作品融合了来自国际艺术大师的影响和个人观点，包括从美国抽象派的大师Mark Rothko和Jackson Pollock身上取得灵感，向欧洲传统大师Henri Matisse和Piet Mondrian致敬，并从古希腊建筑获得启发。尽管Scully的抽象作品尺幅偏大，但却呈现出让人难以忽视的精巧雅致和真情实感。
垂直的崖壁、丰茂的草甸、拍打的海浪——这是我们印象中爱尔兰的经典风景，亦是这个时代最重要的画家之一Sean Scully对故乡最初的记忆画面。生在海边，长在海边，海自然成为了他难舍难分的“伙伴”：海的色彩重现于艺术家将油彩叠加的肌理中，海的回音与余波震动于其思维的每时每刻。
展厅一层三组雕塑作品格外引人注目，从左至右分别为创作于2018年的烤漆铝雕塑作品《30 Also 此外 30》；不锈钢、丙烯雕塑作品《Landline Cubed陆线立方》；抛光不锈钢雕塑《Painted Tower涂漆的塔》。
穿过清水混凝土组成的楼梯结构，后方铝板油画作品《Untitled (Landline) 无题（陆线年创作。
“离开海水的地方”展览现场，由Sean Scully创作的多件作品年代跨度超过30年，被难得并列展示于一层展厅空间。
初看Scully的创作，色块将空白的平面分解并重组，释放出惊人的表现力。色彩，因其贯穿万物而基础，又因其变幻万千而丰富。掌握色彩，最易也最难。
展厅一层空间，楼梯前侧伫立着艺术家于2018年创作的高达2.4米的抛光不锈钢雕塑
，其上部分表面被涂以丙烯涂料。当看到仅有色块与条纹汇聚而成的作品时，人们总会下意识地问他：“这画的是什么？”然而，在东方的国度，艺术家瞥见了抽象画再度繁荣的契机，观众于兼容并包的哲学中体味着抽象创作的情感价值。
一层展厅一隅，通过宽广狭长的落地窗向外望去，清晰可见由安藤忠雄设计的和美术馆建筑轮廓。墙面上呈现着Sean Scully于1964年创作的布面油画作品
。Sean Scully常把自己的天性比作吉普赛人，并致力于将生活的两面性合理分配给“安居”与“流浪”。自上世纪70年代初访纽约后，来自爱尔兰的Scully便与美国结下了不解之缘。
今时今日，他在伦敦和纽约各自拥有一间固定的工作室，并似候鸟一般熟练往返于世界各地与两个工作室之间。放下手头即将完成的工作——周游各国、找寻灵感——复归创作，这已是Scully几十年如一日的往复循环。
美术馆二层一隅，Sean Scully分别创作于1969年，重新制作于2018年的雕塑作品
与1973年的布面丙烯作品《Inset #2 嵌套 #2》被并置在一起，呈现其跨越时间并一以贯之的色彩美学。本次大型个展已不是热爱旅行的Scully与中国的第一次会面。他对这片土地报以好感，并惊喜地发现这个古老而庞大的国家对他和他的作品同样回报以青睐。
和美术馆二层，环形的展厅空间中，交错陈列着Sean Scully不同媒介的艺术创作。墙面上的三幅油画作品分别为2006年创作的
局部；后景则为艺术家于2002年创作的布面油画作品《Small Barcelona Red Robe 小小的巴塞罗那红色长袍》。出生在爱尔兰这样一个国土面积不大的地方，面对陌生而庞大的中国，Scully亦不自觉地将这片大陆与自己的“第二故乡”美国相对照。在他看来，中国与美国分享着不少有趣的共性：同样充满活力与进取心；是创业的引擎和创造力的熔炉；在这里，人们极易发掘并发现未来的方向。
二层展厅内，呈现艺术家以爱尔兰的阿伦群岛为灵感创作的一系列作品，正前方的手工石块雕塑为2023年创作的
；后方的布面油画作品《Inisheer 伊尼希尔岛》创作于1990年。多次在中国尤其是北方地区参与展览后，于今年的盛夏时分，Scully携横跨超过半个世纪的40组绘画及雕塑作品，潜入中国南方小城顺德。他惊喜地发现，这里的政府和人们重视并尊重艺术，明白艺术是保持一片热土持续繁荣进步的源动力。
艺术家Sean Scully“离开海水的地方”展览现场，展厅二层空间中，从左至右分别为手工石块雕塑
；布面油画作品《Wall of Light Pink and Blue光之壁 粉和蓝》；铝板油画作品《Wall of Light Pale Sky 光之壁 苍白的天空》；手工石块雕塑《Small Cubed 17 小立方 17》。作为本次个展场馆的和美术馆的球面外形让Scully自然联想到了他在纽约最喜爱的古根海姆美术馆，而前者相较后者更为平坦的水平面则为艺术作品，尤其是画作的观赏提供了更优解。
沿建筑中心的双螺旋楼梯上下，纵向穿梭于和美术馆的内部空间，安藤忠雄别具匠心的设计打破了接二连三的 “白盒子”营造的当代艺术观览体验。于Scully而言，外圆内方的建筑理念令整个空间充满了动感，由一层平面抵达另一层平面的过程亦饱含势能的变化。
由手工制作的多种石材组成，创作于2023年。而安藤忠雄以几何美学与自然禅意闻名的建筑风格，恰与Sean Scully使用抽象作为自己的创作语言，所希冀抵达的理想境界相契合。
深受西方极简主义的影响，并对东方的禅宗哲学抱有浓厚的兴趣，相较于形式，“极简”对于艺术家而言，更具备着一类道德品质的隐喻：不朽、简单、肃穆，非精致，不屑于装饰——形式的简洁在此蕴含着真知灼见。
局部。当事关极简的哲思与色彩和平面融会贯通，色块画作音调，协同谱出一首乐曲。而雕塑作品作为绘画的三维立体版本，源于艺术家在工厂内堆放板条箱的经历，并从新的角度进一步解释了Scully的抽象画作。
创作于2023年；后方为2011年创作的，宽逾4米的大幅铝板油画作品《Doric Dusk 多立克式 薄暮》；右侧为2020年的铝板油画作品《Black Square Night 黑色方块的夜》。
“绘画一种制作，亦是一种考古。”叙事层层堆叠，进而累加成为一个完整的故事，观众所能窥探到的，不过是每块色域的边缘震颤非凡，承载着历史的复杂性。阅读一幅Scully的抽象画，就像听一首歌，艺术家不苛求过分的思考与理解。正如音符入耳的时刻，我们便如孩童一般，懂得如何与之和鸣。
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